16th of May, 2014

James Hodkinson (Warwick): Slowing  the  Present:  Brian  Eno’s  Sound  Installations  for  Art Galleries and Other Spaces
Hodkinson_PresIn his presentation, James Hodkinson focussed on a musical piece that the British sound artist, composer and record producer Brian Eno composed for the Great Gallery near Turin, interpreting it as a deliberate attempt to respond to the experience of acceleration. Drawing on John Tomlinson’s notion of a new „culture of immediacy“, Hodkinson observed an elevation of transience in the contemporary digitalised music culture and industry, which attributes less and less importance to the materiality of sound, the physicality of consumption as well as the spatial dimension involved in the act of listening. Like all socio-technological developments, these changes have provoked criticism and counter movements (such as, for example, analogue nostalgia) which, according to Hodkinson, provide the broader context for what he termed the „strategic minimalism“ of Eno’s so-called ambient music. Based on the formula that „less happens and it happens more slowly“, Eno employs the notions of slowness and attentiveness, so as to reintroduce and bring to the fore the spatial dimension of music and the listening experience. In order to illustrate his points, Hodkinson then talked about a specific piece of work called 12 seasons. Music for the Great Gallery. As such, the Great Gallery-project was part of a long list of pieces that Eno designed specifically for certain spaces (such as airports, hospitals etc.). In the  Great Gallery, the music was staged in such a way as to “detain” the visitors and slow them down, allowing them to listen to the music at different speeds. Furthermore, the spatial variables of the music were changed and put on different speakers, which made it necessary for the listener to actually move around in the gallery space, highlighting the physicality of the act of listening. This also meant that the sound was different in different locations, which ultimately made it impossible to transport the experience to a different space or medium, firmly tying it to a specific physical location. This points became strikingly clear when Hodkinson showed a YouTube clip of the event, which inevitably fell short of the ephemeral quality involved in the actual experience. However, as Hodkinson pointed out in his concluding remarks, Eno undercut what could be termed the strategic ephemerality of this project by compressing the music into an mp3, thereby crushing a fair bit of his own critical impulse.

Picking up on this slightly sceptical note, the following discussion raised further points of criticism: In this context, it was pointed out that even though Eno’s music comes across as tightly enmeshed with the spaces it is designed for, it does have a generic quality which ultimately makes it removable from its intended locations. In addition to that, it was remarked that Eno’s music is ultimately caught up in a dialectical movement, in which the notion of ephemerality and improvisation coincides with a constant tendency to fix, define and ultimately market his transient projects (Maria Roca Lizarazu).


Elizabeth Boa (Nottingham): Musical and Poetic Space-Time. Elliott Carter, George Benjamin, Martin Crimp, Barbara Köhler.
Boa_PresDas Begehren oder Verlangen nach Transzendenz in einer säkularisierten Zeit scheint, gemessen an der Zahl der Vorträge, die sich mit diesem Thema befassten, groß zu sein und vor allem Ausdruck in der Kunst zu finden. Dies bewies auch der Beitrag Elizabeth Boas, der sich allerdings im Gegensatz zu den vor allem auf Literatur konzentrierten Vorträgen auf musikalische Werke und deren Narrative, aber auch auf Lyrik bezog. Diese beiden Modi sind für Elizabeth Boa prädestiniert dafür, das Verlangen nach Transzendenz oder sogar die Transzendenzerfahrung selbst auszudrücken. Im Mittelpunkt standen vor allem zwei musikalische Werke. Zum einen war dies das Kammerkonzert A sunbeam’s architecture (UA 2010) des 2012 verstorbenen amerikanischen Komponisten Elliott Carter. Das Konzert ist im Wesentlichen eine Vertonung der zur Zeit des Ersten Weltkriegs entstandenen Gedichte E.E.Cummings; es trägt damit nicht nur zur allgemeinen Erinnerungskultur bei (100 Jahre Erster Weltkrieg 2014) und schafft damit eine Trajektorie, sondern ermöglicht durch die Einbindung der Gedichte auch eine Erfahrung von Überschreitung, wie sie auch Cummings im Weltkrieg erlebte. Die Musik ermöglicht also die Entwicklung eines „transcendent time-space“, der durch sie und in ihr erfahrbar wird. Auch der zweite von Boa verhandelte Text, die Oper Written on Skin (Libretto: Martin Crimp, Komponist: George Benjamin, UA 2012), eröffnet in und durch ihre Erzählstruktur verschiedene Zeiträume. Das Werk basiert auf einer aus dem 13. Jahrhundert stammenden okzitanischen Troubadourlegende um Guillem de Cabestany, wie sie auch in Bocaccios Decamerone verarbeitet wird: Das Herz des jungen Liebhabers wird der untreuen Ehefrau vom eigenen Ehemann zum Verzehr vorgesetzt, woraufhin sich diese auch das Leben nimmt. Durch die auf der Bühne hergestellte Gleichzeitigkeit von verschiedenen Zeiten, aber auch verschiedenen Sphären (so treten beispielsweise auch Engel sowie Hybridwesen zwischen Engeln und Menschen auf), wird eine Bilokalität sowie Bitemporalität evoziert, die neue Erfahrungen ermöglicht. Musikalische Dramatik wird hier zum prädestinierten und präferierten Medium. Dieses Potential versucht auch Barbara Köhler in ihrer Lyrik aufzurufen: Durch das Brechen der inhärenten Logik der Sprache bricht sie auch die (genea)logische Ordnung von Raum und Zeit und schafft so neue Räume. Besonderes Augenmerk legte Boa in ihrer Analyse auch auf die weiblichen Figuren, die ihrer Ansicht nach ein stärkeres identitäres Profil entwickelten als ihre männlichen Gegenparts. Sie kam so zu dem Schluss, dass die postmoderne weibliche Identität fester umrissen, weil von Beginn an flexibler angelegt sei (Hanna Schumacher).


J. J. Long (Durham): Taking Time. Photographers of Slowness
JJLong_PresJ. J. Long compares the work of contemporary photographers Paul Kranzler (A) and Jitka Hanzlová (CZ). Referring theoretically to Tomlinson’s concept of instantaneity and Bloch’s concept of Ungleichzeitigkeit, Long claims that while digital photography has “destroyed time”, as instantaneity now reigns on the three ontological levels of photographic production, display and distribution, an ongoing Ungleichzeitigkeit is embedded in the history of colonialism and globalisation, causing contrasts alongside such as rural versus urban, or industry versus nature. Ethnography followed suit when the Western temporal self-concept of progress coupled its supposed victory of technology over nature with an emblematic construction equating nature with slowness. Thus all “non-Western” cultures, branded as principally not coeval and incapable of development, were portrayed accordingly by contemporary photography.
Long evaluates the photographic work of Kranzler und Hanzlová as different answers to this Ungleichzeitigkeit. While in their common search for slowness each of them applies radically different principles for their choice of views and image compositions alike, both have chosen to travel to their home regions in order to describe nature and socio-cultural practices appearing outdated and slow in contrast to “normal” urban experience and industrial contexts, respectively having vanished altogether in certain speres. Long perceives Kranzler’s approach as displaying a clear dialectical and political view, thus being altogether “a little more complex” than Hanzlová’s in which Long perceives a mystical attitude regarding nature parallel to a complete absence of capitalism, resulting in an un-nameability regarding the causes of the status quo due to a fragmentation of world combined with a re-introduction of the metaphysical. Based on these arguments, he judges Hanzlová explicitly as an escapist failing in the same sense as Gumbrecht does on being faced with the challenge of postmodern existence.
The discussion raised the question whether escape constitutes a fundamental category of failure or does so only depending on circumstances; as Aleida Assmann pointed out, escape may legitimately serve as an emancipatory move of resistance.

Lecture Review by
Gerhild Krebs, Saarbrücken/Coventry, e-Mail gerhild@handshake.de
Head of Saarländisches Filmarchiv, PhD candidate at Warwick University


Bernd Stiegler (Konstanz): Ein neuer Mensch, eine neue Zeit. Zur Anthropologie der Zeitlichkeit in den Avantgarden.

Pres_StieglerIn seinem Beitrag befasste sich Bernd Stiegler mit der “Einrichtung des Neuen Menschen” am Nullpunkt der Kultur, also zu Beginn der Moderne. Er bezog sich dabei vor allem auf die russischen Avantgarden, die einen Taylorismus/Fordismus amerikanischer Prägung mit der Erschaffung des Neuen Menschen und seines Körperverständnisses synthetisierten. Besonders wichtig in diesem Zusammenhang ist die Umstellung von Agrar- zu Industriegesellschaft, also die zunehmende Technisierung, die ein neues Arbeits- und damit auch Zeitregime verlangt. Durch die Einführung eines neuen Zeitregimes sollten die Arbeitshaltung und damit auch der Neue Mensch konditioniert werden. Hier orientierten sich die Avantgarden vor allem an Behaviouristen wie Bechderev, Pawlow, aber auch an dem amerikanischen Wissenschaftler Frank Buncker Gilbreth und seiner besonderen Zeit- und Arbeitsvorstellung, die vor allem zur Optimierung und damit Rationalisierung sowie Ökonomisierung der Abläufe beitragen sollte: Die Vergangenheit besteht aus dem, was getan wurde, in der Gegenwart werden Dinge getan, die Zukunft ist der Raum, in dem andere Dinge getan werden müssen.  Statt einem linearen Zeitverlauf favorisiert dieses Modell auch eine kreisförmige Zeit, die sich in einem Kreislauf der Perfektionierung ausdrücken soll. Durch ständige Rückkopplung soll ständig verbessert werden; dies geschieht auch durch Fragmentierung und Automatisierung von Handlungsabläufen. Zeit besitzt hier keine utopische Dimension mehr, sondern wird zur radikalen, selbstreferentiellen Gegenwart (Hanna Schumacher).


Beate Ochsner (Konstanz): Synchonisierungsprozesse in interaktiven Webdokumentationen
Beate Ochsner sprach über ihr aktuelles Forschungsprojekt zu interaktiven Webdokumentationen und beleuchtete damit das Thema (Eigen)Zeit aus medientheoretischer Perspektive. Sie plädierte zunächst für einen neuen Medienbegriff, in dem Zeit nicht unberücksichtigt bleibt, und wandte sich dann der Beschreibung und Diskussion der äußerst heterogenen Medienform der Webdokumentation zu. Der Schwerpunkt ihres Vortrags lag dabei auf der spezifischen Zeitstruktur von Webdokumentationen und ihrer Rezeption durch den User. Wie Ochser deutlich machte, ist die Rezeption von Webdokumentationen ein zeitlicher Prozess. Die Partizipation des Users funktioniert dabei über Synchronisierung, indem verschiedene Zeitkategorien – die Zeit der User, die Zeit der in die Webdokumentation integrierten Bilder, Audiobeiträge und Videos, die Ladezeiten des Computers, Erzählzeit, erzählte Zeit etc. – konvergieren und ein gemeinsamer Zeitraum hergestellt wird, der Differenz jedoch nicht vollkommen auflöst. Zur Verdeutlichung ihrer theoretischen Darlegungen nahm Ochsner Bezug auf eine Reihe von Webdokumentationen:

(Katharina Forster)


Mary Cosgrove (Edinburgh): The Time of Sloth in Contemporary Cultural Representations
Cosgrove_PresMary Cosgrove dedicated her presentation to the trope of sloth and its figurations in Terézia Mora‘s 2009 novel Der einzige Mann auf dem Kontinent. Detached from its original theological meaning, sloth – and the accompanying notions of laziness, apathy and boredom – turn into one of “the secular sins of modernity” as that which is opposed to the ideology of constant drive and industriousness. As a consequence, Mora’s novel, which features states of apathy, exhaustion and boredom, can be interpreted as a critical reaction to the neoliberal order by invoking a poetics of deceleration. In particular, the novel shows the price at which “das unternehmerische Selbst” in neoliberalism comes, understood as a subjectivity that no longer needs any micromanaging by superiors, since it does all the regulation him- or herself. The consequence of this is total exhaustion or burn-out. However, as Cosgrove pointed out, Mora’s novel is specifically interesting, because it does not stop at depicting the negative aspects of accelerated capitalism, but also explores the “pleasurable dimension of precariousness”. This sits well with John Tomlinson’s approach to what he terms the culture of immediacy, which also emphasises that this environment provides pleasure and pain – the former being connected to a general climate of “effortlessness”. According to Cosgrove, Tomlinson’s notion of effortlessness manifests itself in a cultural style of insouciance in Mora’s novel.

In the discussion following Cosgrove’s presentation, it was pointed out that the notion of neoliberalism in Mora might also be applied to the level of reception: In Das Ungeheuer, the follow-up to Mora’s 2009 novel, the reader is confronted with a split structure which invites a DIY-approach to the novel at a time when the once subcultural aura of DIY has been turned into a capitalist marketing strategy (Maria Roca Lizarazu).


Anne Fuchs (Warwick): The Longing for Transcendence in Ulrich Seidl’s Paradies: Glaube and Arnold Stadler’s Salvatore.

Pres_FuchsNicht die Suche nach einer Großen Transzendenz, sondern die Erfahrung der kleinen Transzendenz sind die Hauptantriebsmotoren der beiden Hauptfiguren in den von Anne Fuchs vorgestellten und verglichenen Medien Paradies: Glaube und Salvatore.
Dabei suchen diese Figuren ihre Transzendenz in einem kulturellen Klima, welches Transzendenzerfahrungen größtenteils ausklammert oder marginalisiert/privatisiert. Gleichzeitig ordnen sich diese Suchen in einen überlieferten künstlerischen Kanon ein, der sich von Caravaggio über Vermeer bis hin zu Pasolini erstreckt, aber natürlich auch biblische/sakrale Elemente enthält. Besonders betonte Anne Fuchs die Idee der Anhängerschaft, aus der heraus sich Transzendenzerfahrungen ergeben können.
Unterschiede zwischen den vorgestellten Narrativen ergeben sich aus der ästhetischen Bearbeitung: Während Seidl eher klinisch-analytisch vorgeht und einen Zustand des Stillstands inszeniert (und damit der Resignation), sieht Stadler immer noch die Möglichkeit, einen utopischen Zustand der Transzendenz zu erreichen, indem man trotz aller Hoffnungslosigkeit in diese investiert: “Sehnsucht ist Hoffnung minus Erfahrung.” (Arnold Stadler, Salvatore) (Hanna Schumacher)

Am selben Abend konnte dies in einer Lesung Arnold Stadlers noch einmal genauer beleuchtet werden.

Fuchs_Stadler


 

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